Jegong - Gomi Kuzu Can - LP Gatefold

Pelagic Records est fier de présenter « Gomi Kuzu Can », le nouvel album audacieux et novateur de JeGong, la collaboration entre Dahm Majuri Cipolla (MONO) et Reto Mäder (SUM OF R.). Connus pour leurs explorations immersives et rythmées du Krautrock et du design sonore expérimental, JeGong s'aventure ici dans un territoire plus lumineux et étrangement nostalgique.

« Gomi Kuzu Can » est un voyage électrisant à travers le Kraut, le Post- et l'Experimental Rock, délivré avec la chaleur analogique des années 70.

À travers onze titres soigneusement élaborés, JeGong embrasse ses racines tout en s'étendant audacieusement vers des mondes néon, rythmés et où les rythmes cinétiques rencontrent un futurisme sonore ludique. C'est une musique conçue pour le mouvement, la contemplation et l'étrangeté extatique des possibles. Leur approche emprunte l'endurance et la patience du minimalisme, mais subvertit son austérité avec du grit, de la distorsion et de la physicalité. Le résultat est une musique qui semble vivante en mouvement : constamment changeante, se resserrant, se déployant et se mutant, même lorsque son pouls central reste intact.

« Nous voulions créer un son des années 70 comme fondation d'enregistrement – une esthétique sonore qui établit une ambiance grâce à une saturation chaleureuse sur bande. Comme une sorte de boîte à souvenirs où l'on peut stocker des souvenirs, par exemple de l'enfance, lorsque l'on passait des heures seul à regarder la télévision et à écouter la radio, souvent en même temps. » (JeGong)

Alors que les travaux précédents du groupe se concentraient fortement sur la répétition hypnotique et des atmosphères denses, « Gomi Kuzu Can » introduit une légèreté, une presque malice de couleur et de mouvement. La batterie de Cipolla, longtemps admirée pour sa précision émotive et sa puissance discrète, devient ici un séquenceur vivant : nette, entraînante et conçue pour la propulsion. Les synthétiseurs analogiques, les bandes et les électroniques de Mäder s'entrelacent autour de cette ossature rythmique avec une palette vibrante. Mais ne vous y trompez pas, c'est du JeGong à 100 %. La maîtrise des dynamiques, des textures et de la narration sonore du duo reste intacte, même lorsqu'ils s'orientent vers des BPM dansants et des tonalités rétro-futuristes éclatantes.

« Notre son a évolué progressivement, façonné à la fois par des choix intentionnels et par des expérimentations spontanées. Sur cet album, nous avons délibérément exploré de nouvelles textures, arrangements et techniques de production, mais nous avons également laissé les idées se développer de manière organique, permettant aux chansons de grandir et de changer naturellement au cours du processus. De plus, il est plus orienté vers la chanson au sens classique de l'écriture et de la durée des morceaux. Cela nous a également permis d'intégrer des sons plus non conventionnels, tels que des narrations d'annonceurs de télévision, des parties de chœur d'un Mellotron ou des sons synthétiques au caractère rétro-futuriste. » (JeGong)

Au centre se trouve l'intuition rythmique singulière du duo : des percussions qui pulsent avec la stabilité du krautrock, des lignes de basse qui oscillent entre une fondation monolithique et une insistance mélodique brute. Ensemble, ces éléments créent un environnement sonore qui semble à la fois mécanique et profondément humain, ritualiste mais instinctif.

« Patterns », le morceau dansant et inspiré des jeux d'arcade qui ouvre l'album, établit un monde hybride : nostalgique mais tourné vers l'avenir, ancré mais euphorique. Comme une séquence de poursuite à travers un paysage urbain pixelisé, « Patterns » puise dans une force rythmique inébranlable, mais sous cette propulsion se cache quelque chose de plus réfléchi : une contemplation de la répétition, une fascination pour les cycles, un sens du mouvement qui semble aussi psychologique que physique. Leur son invite l'auditeur à s'immerger pleinement, non seulement à écouter mais à habiter.

« Parallel Tracks », avec son cliquetis métallique ludique et ses accroches percussives aiguisées, célèbre les débris sonores : des textures abandonnées réassemblées en quelque chose d'inattendu et dansant, avec des grooves plus sombres et des rythmes sinueux. Ici, JeGong s'engage dans une énergie teintée de post-punk, évoquant un mouvement nocturne. C'est un morceau qui illustre la capacité de JeGong à transformer des instincts expérimentaux en quelque chose d'irrésistiblement physique. Sparse dans son ouverture, il trouve un groove parmi la tension accumulée qui joue tout au long, et finit par s'élever dans un tourbillon de chaos teinté de techno.

« L'album a été enregistré sur une période de deux ans, dans différents lieux et avec différents outils. Nous avons passé plus de temps dessus que sur nos précédents disques, ce qui nous a permis de choisir une sélection de morceaux qui s'harmonisent véritablement en un seul album. Cette fois-ci, la sélection a joué un rôle beaucoup plus central – tout comme la création de plusieurs versions de la même chanson et le développement continu des arrangements, ajoutant ou retirant des éléments en cours de route. Cela nous a également permis de façonner davantage notre propre goût musical. Les gens oublient souvent qu'en tant que musicien, vous êtes votre propre premier auditeur. Donc, votre goût personnel joue un grand rôle, et il peut évoluer avec le temps. De cette manière, nous avons eu l'opportunité de réfléchir aux morceaux encore et encore au cours de ces deux années. » (Reto Mäder)

L'une des réalisations les plus frappantes de l'album est sa chaleur analogique. À une époque dominée par des surfaces numériques impeccables, JeGong embrasse l'imperfection : un élément humain dans chaque battement et modulation. « Gomi Kuzu Can » est construit à la main, assemblé avec amour à partir de circuits, d'intuition et d'impulsions créatives brutes. Cette qualité tactile est précisément ce qui rend la danseabilité de l'album si percutante. En mêlant rythme organique et éclat rétro-électronique, ils ont créé un son à la fois familier et agréablement nouveau.

« Jouer en live a eu un grand impact. Après notre deuxième album, nous avons commencé à tenir des sessions live, et nous avons fait notre première à l'occasion du Roadburn Festival 2024. Grâce à cela, nous avons découvert que pour le live, la basse, en tant qu'élément ancré avec la batterie, prend un rôle plus central. Jouer en live a également considérablement renforcé notre confiance mutuelle de plusieurs manières — à quel point les choses doivent être serrées, et jusqu'où chacun peut s'éloigner sans que tout ne s'effondre. À moins, bien sûr, que vous ne le souhaitiez ! » (Dahm Majuri Cipolla)

Dans « What Ever Happened To Gene », JeGong utilise leur troisième single pour s'immerger dans un mystère narratif avec ce morceau porté par la voix. Une histoire racontée à travers des motifs mélodiques nostalgiques qui semblent chercher quelque chose juste hors de portée. Des textures ambiantes et des mélodies immergées dérivent, créant un contrepoint méditatif aux moments plus cinétiques de l'album. C'est un rappel que JeGong excelle non seulement dans le rythme propulsif, mais aussi dans l'espace émotionnel. Ses harmonies lumineuses et ses motifs doucement ascendants évoquent la nostalgie sans tomber dans la sentimentalité ; un équilibre délicat que le duo maintient avec finesse.

Dans le groove contagieux de « Chalk », JeGong crée des motifs en boucle qui sont rythmés mais poussiéreux, comme une boucle de bande rayée redécouvrant son pouls, le morceau intensifie derrière un cadre curieusement hypnotique. Des rythmes tribaux, des touches délicieuses et des sons fantomatiques sont enfouis pour créer délicatesse et tension tout au long de ce morceau suggestif. « Chalk » est à la fois aventureux, coloré et joyeusement étrange. Dans sa finale, une montée de statique et d'ambiance, la transe hypnotique s'étire vers de nouvelles possibilités.

Avec « Gomi Kuzu Can », JeGong réaffirme son statut d'explorateurs sonores ; des artistes qui ne se contentent pas de se répéter, mais qui apportent leur riche vocabulaire musical dans de nouvelles configurations audacieuses. Cet album est non seulement un témoignage de la chimie collaborative du duo, mais aussi une déclaration vibrante, ludique et pleinement réalisée qui élargit les frontières de ce que le rock expérimental peut être.

« Notre curiosité est toujours bien vivante, tout comme notre esprit ludique à essayer de nouvelles choses. » (JeGong)

En fin de compte, le son de JeGong est moins un genre qu'un paysage : rugueux, hypnotique, austère et étrangement spirituel. C'est une musique construite sur les fondations du rythme et l'électricité de la répétition, façonnée avec la précision d'ingénieurs et les instincts d'explorateurs. Avec « Gomi Kuzu Can », ils réaffirment leur position non seulement en tant que techniciens sonores, mais aussi en tant que créateurs d'environnements immersifs et transformateurs qui exigent et récompensent une écoute attentive.

POUR LES FANS DE

Neu !, Cluster, Tangerine Dream, Swans, Mogwai, Sonic Youth, John Zorn